John Lennon - Stand By Me

Stand by Me es una canción en inglés interpretada por Ben E. King y compuesta por él mismo y por Jerry Leiber y Mike Stoller, adaptada, con un sonido más contemporáneo, a partir de un tema gospel de 1955, interpretado por The Staples Singers. Desde su publicación, ha sido interpretada por numerosos músicos, si bien ninguna de las versiones ha alcanzado la fama de la original.1
Durante la composición del tema, Ben E. King no tenía intención de grabarla, tal y como declaró en una entrevista para el documental Historia del Rock 'n' Roll.2 King había escrito el tema para The Drifters, quienes decidieron no grabarla. No fue sino hasta después de las sesiones de grabación de Spanish Harlem cuando, al pedirle el productor musical nuevo material, King tocó Stand By Me en el piano. El productor dio el visto bueno al ensayo y llamó a músicos de sesión para grabar el tema.
Mike Stoller lo recuerda así: "Recuerdo que llegué a la oficina, y Jerry y Ben estaban trabajando en la letra de una nueva canción. Ben tenía el inicio de una melodía. La terminó y perfeccionó, trabajó en las armonías y le añadió un bajo que se convirtió en la firma de la canción."
Stand By Me ha entrado en los diez primeros puestos de las listas de Billboard en dos ocasiones: tras su publicación como sencillo en 1961 y en 1986, cuando coincidió con la publicación del tema en la película Cuenta conmigo y con el uso del tema para un anuncio de Levi Jeans.
Stand by Me ha sido catalogada en el puesto 121 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, elaborada por la revista musical Rolling Stone. BMI nombró el tema como el cuarto tema más interpretado durante el siglo XX, con más de siete millones de interpretaciones.


Versiones

• Muhammad Ali, campeón mundial de boxeo de pesos pesados, grabó una versión del tema en 1964, con "I Am The Greatest" como cara B. La grabó cuando él aún se llamaba Cassius Clay.
• Tanto John Lennon como The Kingsmen han contribuido con nuevas versiones, Lennon en el álbum de 1975 Rock 'n' Roll y The Kingsmen en varios conciertos.
• Led Zeppelin la ha interpretado en vivo al menos en dos oportunidades.
• La banda de punk Pennywise grabó una versión del tema en el EP de 1989 Wildcard.
• Otis Redding versionó "Stand By Me" en una ocasión.
• U2 ha realizado varias versiones del tema durante las giras Joshua Tree Tour y Zoo TV entre 1987 y 1993, notablemente en un concierto ofrecido en Filadelfia en el que Bruce Springsteen se unió al grupo para interpretarlo.
• Stand By Me ha sido interpretada también por Marvin Gaye y por la banda de punk rock Green Day
• Dalida interpretó esta canción en francés con el título Tu croiras.
• Adriano Celentano presentó la canción con el título Pregherò.
• Silvio Fernández Melgarejo grabó una versión bajo el nombre de Rezaré.
• Bruno Lomas grabó una versión en español titulada Rogaré.
• Otro valenciano, Emilio Solo, la incluye en su álbum Rosas Rojas (2000), como "Rogaré".
• También Sean Kingston hizo un tipo de remix de esta canción, donde usó el mismo ritmo de fondo pero en un estilo pop.
• La banda de rock argentino Sumo realizó varias versiones del tema durante sus conciertos en vivo.
• Concord Music Group versionó la canción grabando partes a lo largo del mundo. Forma parte del documental Playing for Change - Peace Through Music
• Tracy Chapman puso voz también a esta canción.
• 4 The Cause hizo una versión muy popular de la canción, aún presente en las radios.
• Enrique Iglesias hizo también una versión de esta canción.
• Fue utilizada para la película Timón y Pumba alrededor del mundo.
• Virginia Maestro, la voz de Labuat, la interpretó en la primera maqueta que grabó, y la sigue cantando en sus conciertos.
• Jon Bon Jovi, Richie Sambora y Andranik Madadian grabaron juntos una versión el 24 de junio del 2009, en solidaridad con el pueblo de Irán, por las protestas electorales en dicho país.
• Andrés Calamaro también la incluyó en varias presentaciones, algunas junto a Charly García y en otra ocasión con Los Rodríguez.
• Incubus ha interpretado una versión de esta canción en varios de sus conciertos.
• Existe una grabación del grupo Los Tres en donde tocan este tema, junto con otros de Chuck Berry y Elvis Presley.
• El cantante dominicano Prince Royce hizo una versión español-inglés de esta canción.
• El cantante de reggae y dancehall Yellowman hizo una versión de esta canción en su álbum Yellowman Sings The Blues, del 1988.
• La banda paraguaya Paiko hizo una versión en español del tema, que está incluido en el disco recopilatorio Lennon vive: Un tributo del rock paraguayo a John Lennon, producción en la cual también reversionan otros clásicos como Instant Karma y Woman.
• Lady Gaga presentó el tema en varias ocasiones durante su gira The Monster Ball Tour, así como en el festival iHeartRadio, junto al músico británico Sting.
• David Archuleta también versionó esta canción, para el concurso estadounidense American Idol.
• En una versión en inglés mezclado con español, interpretada por Prince Royce, en su primer álbum en 2010.
• El dúo español Nena Daconte y la cantante Amaia Montero hicieron una versión, emitida en directo en plena ciudad de Madrid en 2010.
• Marcos Franchino hizo lo propio en Halabaluzza.
• John Lennon grabó una versión para el álbum Rock 'n' Roll, publicado en 1975, apenas unas semanas antes de declarar su alejamiento del mundo de la música para dedicarse en exclusiva al recién nacido Sean Lennon. La cara B del sencillo,Move Over Ms. L, fue interpretada en batería por The Who Keith Moon en el álbum Two Sides of the Moon.
• Lemmy Kilmister, bajista y vocalista de Motörhead, y Dave Lombardo, baterista de Slayer, grabaron una versión para la parte en video del pro skater Geoff Rowley en Flip's Extremely Sorry.
• Timón y Pumba, de la película El Rey León, publicaron una versión en su película Alrededor del mundo con Timón y Pumba]].
• Willy De Ville, con su voz rasgada, cerraba muchas de sus actuaciones con esta canción.
• La asociación sin ánimo de lucro Playing for Change también tiene una versión de este tema.

     

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Losing My Religion ( R.E.M )

Losing My Religion  (en español, literalmente, Perdiendo mi religión) es una canción de la banda estadounidense de rock alternativo R.E.M. Se lanzó como el primer sencillo de su álbum de 1991 Out of Time. Basada en un ostinato de mandolina, fue un éxito inesperado del grupo, debido a su amplia difusión a través de la radio y MTV por su video promocional, aclamado por la crítica. La canción fue el tema de R.E.M. en alcanzar la posición más alta en Estados Unidos, llegando al cuarto puesto en el Billboard Hot 100 y expandiendo la popularidad del grupo. Recibió varias nominaciones en los premios Grammy, ganando dos en las categorías de mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y mejor video musical corto. La canción fue homenajeada en el tercer episodio de la segunda temporada de la serie norteamericana Glee, transmitida por la cadena Fox.

Contexto
El guitarrista Peter Buck compuso el ostinato principal y el estribillo en una mandolina mientras miraba la televisión un día. Buck había comprado el instrumento recientemente y estaba intentando aprender a tocarlo, grabándose mientras practicaba. Sobre esto, dijo: «Cuando volví a escucharlo al día siguiente, había un puñado de cosas que eran yo aprendiendo a tocar la mandolina y luego estaba lo que se convirtió en “Losing My Religion”, y luego un puñado más de mí aprendiendo a tocar la mandolina
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Under the Bridge ( Red Hot Chili Peppers )

«Under the Bridge» es el segundo sencillo lanzado por la banda estadounidense de rock alternativo Red Hot Chili Peppers en su álbum de 1991 Blood Sugar Sex Magik. Permanece como el sencillo más exitoso de la banda, alcanzando en 1992 el puesto 2 del Billboard Hot 100. El video musical fue dirigido por Gus Van Sant y ganó un MTV Video Music Award en "Viewer's Choice" (Elección de los Televidentes) y fue nominado a otros dos premios, Mejor Vídeo Grupal y Vídeo del Año.
La canción casi no llegó a ser incluida en el álbum, debido a que su letra y naturaleza hicieron a Kiedis reacio a mostrársela al productor Rick Rubin y grabarla. Se ha destacado que el puente mostrado en el video de «Under the Bridge» es el mismo que aparece en el video de «By the Way». La canción fue versionada por el grupo femenino All Saints, También ha sido versionada por el guitarrista Santana en su álbum Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time junto con Andy Vargas.
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Come as You Are ( Nirvana )

Come as You Are : es una canción de la banda de grunge Nirvana publicada en el popular álbum Nevermind (1991) y lanzada como sencillo en 1992. Ésta canción, junto a "Smells Like Teen Spirit", es la responsable de popularizar tanto a Nirvana como a todo el movimiento grunge.

Significado
Come as You Are es recordada como una de las canciones más optimistas de Nirvana. Mientras que otras canciones de la banda contenían letras "oscuras", Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como amigo». La canción tiene el tema general de la aceptación, invitando al oyente a hacer lo que el título dice («Ven como eres»). Sin embargo, también contiene un ligero aire de sospecha por el encuentro, particularmente la línea «And I swear that I don't have a gun», («Y juro que no tengo un arma») que es repetida varias veces.
Como consecuencia de la muerte del cantante Kurt Cobain en abril de 1994, se le dio mucha importancia a este verso "I swear I don´t have a gun" ("Juro que no tengo un arma"). Varios comentarios se han hecho sobre otras canciones de Nevermind que mencionan a las armas. Sin embargo, posteriormente fue tomado como mera coincidencia puesto que el álbum fue grabado tres años antes de la muerte de Cobain.
Los versos «Come dowsed in mud... soaked in bleach», además de referirse al álbum de debut de la banda (Bleach), hacen referencia a una campaña en San Francisco (California) a finales de los años 80. La campaña estaba dirigida a los usuarios de drogas intravenosas, a los cuales la ciudad les pidió desinfectar (bleach) sus agujas para reducir el riesgo de contraer enfermedades.
Por otra parte se cree que esta canción había sido dedicada a su futura hija Frances Bean.
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New Year's Day ( U2 )

"New Year's Day", es una canción de la banda de rock irlandesa U2, forma parte de su disco War, siendo su tercera canción, y su primer sencillo. La canción destaca por el gran bajo de Adam Clayton, y la melodía de The Edge en el teclado.
El sencillo fue un gran éxito para la banda, ya que lograron ubicarse dentro del Billboard Hot 100 por primera vez en su carrera, al igual que en el Top 10 de las listas de Reino Unido. En 2004, la revista Rolling Stone, incluyo la canción en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, ubicándola en la casilla 427. La canción ha sido incluida en los compilatorios The Best of 1980-1990 y U218 Singles.

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Oh, Pretty Woman (Roy Orbison)

Oh, Pretty Woman es un éxito internacional del cantante estadounidense Roy Orbison, lanzado en 1964, grabado en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, y compuesto por Orbison y Bill Dees.

Roy Orbison ganaría el Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina en el año 1991por la versión en directo que hizo para el programa especial de televisión Roy Orbison and Friends, A Black and White Night. La letra de la canción cuenta cómo el cantante admira a una mujer bonita caminando, preguntándose si estará tan sola como él mismo

El tema ha sido versionado por Al Green, la banda Van Halen, The Holy Sisters of the Gaga Dada, y Ray Brown Junior. Además, la canción inspiró la película de 1990 Pretty Woman, protagonizada por Richard Gere y Julia Roberts, siendo el tema principal de su banda sonora.

Oh, Pretty Woman ocupa el puesto 222 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

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Livin' on a Prayer ( Bon Jovi )

Livin' On A Prayer (en inglés: “Viviendo en una oración”) es una canción de Bon Jovi, es el segundo sencillo de su tercera producción discográfica, titulada Slippery When Wet, lanzada en el verano de 1986, aunque fue nombrada como la producción más vendida de 1987 (año en el que Livin' On A Prayer fue lanzado como sencillo). Es el segundo tema de la banda en ocupar el puesto Nº1 en diversos listados de todo el mundo (el primero fue You Give Love A Bad Name, primer sencillo de "Slippery When Wet") y también esta It's my life. Es, probablemente, su canción más popular, y es generalmente considerada como un himno y clásico de la música de los 80's. Además, fue catalogada como la mejor canción de los 80 por la cadena estadounidense VH1. Esta canción también aparece en el videojuego musicalGuitar Hero World Tour y Rock Band 2.

Historia 
Después de los semiéxitos de sus dos primeros discos, "Bon Jovi" y "7800º Fahrenheit", la banda buscaba crear un álbum definitivo que sacara todo el talento que llevaban dentro y les proporcionara un nombre dentro del mundo de la música, ya que para muchos artistas, el tercer disco es crucial en sus carreras.En aquella época, la banda estaba comenzando a dar sus primeros pasos, eran jóvenes y buscaban el éxito comercial. Para lograr dicho éxito, contaron con la ayuda del reputado compositor y productor Desmond Child. Junto a él, compusieron You Give Love a Bad Name, Without Love y Livin' On A Prayer. Esta última fue, sin duda, la más exitosa, por encima incluso de You Give Love a Bad Name y de la emblemática Wanted Dead or Alive. Este tema ha alcanzado tanta popularidad que la banda la interpreta frecuentemente en versión acústica. En total existen tres versiones, la original de 1986, una acústica de 1994 y una a dueto con Olivia d'Abo del 2003. Además, este tema aparece en el videojuego Guitar Hero World Tour.

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She Will Be Loved (Maroon 5)

"She Will Be Loved" ("Ella será amada" en español), también conocida como Beauty Queen, es el tercer single del disco debut de Maroon 5, Songs About Jane. Lanzado en 2004, el single el # 5 en los chart en EE.UU., convirtiéndose en el segundo single de Maroon 5 eb estar entre Top 10, también llegó a la posición # 4 en el Reino Unido. La canción llegó a ser # 1 en Australia y se mantuvo en la cima durante 5 semanas consecutivas, además alcanzó la posición # 2 en América Latina siendo otra vez Top 3 consecutivo. El sencillo se caracteriza por su video musical, en el que aparece la estrella Kelly Preston. La canción es una de las más melódicas de la banda. En algunas versiones de la canción, como la lanzada en el Reino Unido, la letra de la canción fue cambiada, en lugar de una niña de diecisiete años es de dieciocho.
She Will Be Loved ocupa el puesto #689 de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q Music.

El video
El video musical de "She Will Be Loved" muestra a un joven (interpretado por el cantante Adam Levine), que tiene un affair con la madre (interpretada por Kelly Preston), de su novia (interpretado por Carrey Corrine). El vídeo musical se dijo que estaba inspirado en la película The Graduate de Dustin Hoffman, aunque la historia de la relación entre la madre y el joven se trata de una manera más simpática que en lugar de la humorística y un tanto amarga de la película.
Al igual que muchos otros videos, muchos asumen en que el vídeo coincide con la canción, pero ésta abre con la frase 'beauty queen of only 18' y, a continuación, el video muestra la forma en que el cantante está enamorado de una mujer en sus 40.
Producida por oil Factory, "She Will Be Loved" ha sido dirigido por Sophie Muller.

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Smells Like Teen Spirit (Nirvana)

Smells Like Teen Spirit :es una canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Es la primera canción del álbum de 1991 Nevermind, del cual es también el primer sencillo. Es comúnmente considerada la canción que llamó la atención de los adolescentes de todo el mundo hacia Nirvana y el movimiento grunge. Fue escrita por los tres miembros de la banda (Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic, con letra de Cobain) y producida por Butch Vig.

«Smells Like Teen Spirit» es considerada como uno de los himnos de la música de los años 1990, especialmente, como el himno de la Generación X.1 2 Lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años 1980. El tema, conocido por su famoso video musical, habla sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a «Teen Spirit» como la canción más famosa del género grunge. Debido a su éxito masivo, y a lo diferente que era de las composiciones de la escena «mainstream» del rock de los ochenta, dominada por bandas de glam metal o retro, «Smells Like Teen Spirit» revivió la popularidad del rock, abriendo la puerta al triunfo del grunge en los noventa. Además, esta popularidad del grunge fue la responsable del renovado interés comercial por el rock alternativo,3 que para mediados de los noventa se había convertido en un formato radiofónico dominante.

"Smells Like Teen Spirit" ocupa el puesto número nueve en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, así como el treinta y siete de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q y elegida como la número uno de "Las 100 mejores canciones de los 90's" según el canal musical VH1.


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Rock and Roll (Led Zeppelin)

                             Portada Led Zeppelin IV

"Rock and Roll" es una canción de Led Zeppelin incluida en su álbum Led Zeppelin IV en 1971. El tema tiene un ritmo combinado de blues y hard rock. Fue escrita originalmente por Jimmy Page (guitarra), John Bonham (batería), Robert Plant (voz) y John Paul Jones (bajo). La guitarra de Page, con un ritmo de hard rock blues fusion, consiste en notas dobles de la 6ª, 5ª, 4ª y 3ª cuerda que se entrelazan. El solo consiste en notas agudas empleadas generalmente en la segunda y primera cuerda, lo que complementan el ritmo de blues, cabe destacar que el ritmo de batería inicial se asemeja un tanto a una canción clásica de Rock and roll llamada Keep a Knokin' de Little Richard, lo cual convierte a esta canción en un homenaje a las grandes piezas del género, sin embargo con un toque más pesado. Esta canción formó permanentemente una parte del repertorio de Led Zeppelin en vivo, siendo interpretada hasta el final de sus giras. Además fue una de las canciones interpretadas en la reunión de Led Zeppelin en 1985 durante el Live Aid y también en la reunión de 2007 en el Arena02. Foo Fighters interpretó Black Dog junto a Jimmy Page y John Paul Jones, con Dave Grohl en la batería y el baterista Taylor Hawkins cantando la canción, en el Wembley Stadium en 2008.

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Whole Lotta Rosie AC/DC

"Whole Lotta Rosie" es una canción del grupo de hard rock australiano AC/DC. Es el octavo y último track del cuarto álbum de la banda, Let There Be Rock, publicado en Australia en marzo de 1977, y fue escrita por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott. También es el octavo y último track en la versión international del álbum, publicado en junio del mismo año.

Composición
La canción es acerca de una mujer obesa llamada Rosie con quien el vocalista tuvo relaciones sexuales. Más allá de la obesidad de la mujer, el cantante la considera una de las mejores experiencias sexuales.

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Killer Queen (Queen)

"Killer Queen" (en español Reina asesina) es una canción de la banda inglesa de rockQueen incluida en su álbum de 1974 Sheer Heart Attack. Escrita por el vocalista Freddie Mercury, fue el primer sencillo de esta banda en llegar al segundo puesto en la UK Singles Chart y el duodécimo en las listas estadounidenses. Como doble lado Aposee "Flick of the Wrist", que no llegó a entrar en ninguna lista. En 1986 figuró como lado B del sencillo "Who Wants to Live Forever".

Mercury declaró en una entrevista que la escribió en un piano. La grabación presenta un acompañamiento armónico creado mediante la superposición de varias cintas, de la misma manera que el solo de guitarra interpretado por Brian May. "Killer Queen" ganó el Premio Ivor Novello a la mejor composición en 1975, un año después de su lanzamiento como sencillo. La canción figura además en los videojuegos Guitar Hero,Rock Band y SingStar Queen.

En la canción, Freddie Mercury, Brian May y el baterista Roger Taylor utilizan sus voces en el estribillo. May toca la guitarra; Mercury, el piano; Taylor, la batería y Deacon, elbajo eléctrico.

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Stairway to Heaven (Led Zeppelin )

"Stairway to Heaven" (Escalera al cielo) es una canción del grupo de rock británico Led Zeppelin, compuesta por el guitarrista Jimmy Page y el cantante Robert Plant e incluida en el cuarto trabajo de estudio de la banda, Led Zeppelin IV. Está considerada por muchos como uno de los puntos culminantes de la historia del rock. Es una de las canciones más solicitadas en las emisoras de radio de los EE. UU.,1 aunque no se ha publicado nunca en sencillo. El enorme éxito de la canción y la negativa de la banda a editar esta canción en sencillo ha podido contribuir a que Led Zeppelin IV sea uno de los álbumes más vendidos de la historia.1 No está enteramente claro si el título de la canción está inspirado en el título de una película. En las famosas revistas Guitar World y Rolling Stone, el solo de guitarra en La menor creado por Jimmy Page para esta canción fue elegido como el mejor de la historia, también la marca de instrumentos Gibson colocó este como el mejor en su lista de "Los Mejores 50 solos de la historia".

Famosas grabaciones de interpretaciones de esta canción han tenido lugar en el Live Aid de 1985 y en el cuadragésimo aniversario de Atlantic Records en 1988, y una versión instrumental en el concierto de Crossroads junto con Eric Clapton y Jeff Beck entre otros músicos.

Es una canción relativamente poco versionada por otros intérpretes. Sin embargo, una de las versiones más destacadas es de Frank Zappa, realizada en los estilos de reggae/ska, incluida en su álbum The Best Band You Never Heard in Your Life.
El periódico neoyorquino New York Post publicó en julio de 2007 una lista con las 100 mejores versiones de la historia, en la que destacaba la versión que Dolly Parton realizó de "Stairway to Heaven" en el primer puesto, y la grabada por el dúo mexicano Rodrigo y Gabriela en el puesto 98.

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Another Brick in the Wall ( Pink Floyd )

"Another Brick in the Wall" es el título de tres canciones del grupo británico de rock progresivo Pink Floyd, compuestas por el bajista de la banda Roger Waters. Las tres partes fueron incluidas en el álbum The Wall, lanzado en 1979. Está dividida en tres partes, Part I, Part II y Part III respectivamente y son fundamentales en el concepto del álbum, como lo marca la pared detrás de la cual se retira Pink, el personaje principal del álbum.

Another Brick in the Wall (Part 1)" es la tercera canción del álbum, y la primera en mencionar la palabra "muro" que es fundamental para la historia del álbum. "El muro" ("the wall") es una metáfora sobre el recinto que el protagonista, Pink, construye alrededor de él para escapar de la realidad, la "ladrillos en la pared" ("bricks in the wall"), representa cada uno de los traumas que Pink va experimentando a lo largo de su vida, lo que lo lleva a crear esta protección. Aquí, la frase "another brick in the wall" se refiere a la desaparición del padre de Pink
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Sultans of Swing (Dire Straits)

Sultans of Swing fue el primer sencillo de la banda británica Dire Straits. El sencillo formaba parte del álbum Dire Straits y comenzó a venderse en octubre de 1978 tardando en entrar en las listas de éxito. Seis meses más tarde alcanzó el número 10 en las listas de ventas del Reino Unido y los Estados Unidos. El disco se convirtió en un importante éxito vendiéndose cerca de 2 millones de copias del álbum solo en Estados Unidos.
Para grabar la maqueta de esta canción los hermanos Mark, David Knopfler y el resto de la banda se dirigieron a Londres con sólo 100 libras. Debido a esta situación financiera adoptaron el nombre de la banda "Dire Straits" , que podría traducirse como grandes apuros.
En el tema los Dire cuentan la historia de una banda que toca en un característico pub al sur de Londres. En su letra, Mark Knopfler, describe a la perfección la escena en un pequeño bar con un público minoritario y entregado donde se toca una música poco habitual por aquel entonces, una época en la cual muchos no entendían que una banda de rock and roll pudiera tocar con una trompeta o un saxo. Así, Mark muestra su debilidad por la música Jazz y los estilos, como el dixie, y el honky tonk que se derivan de ella y son homenajeados en esta canción.
La primera grabación a la que se puede tener fácil acceso es al directo de los Dire Straits en "Old Grey Whistle Test" en el año 1978, si bien, en este directo no está la penúltima estrofa. El propio Mark Knopfler y su banda pusieron todo su empeño en mejorar el tema grabación tras grabación, Dire Straits siempre fue una banda "de directo", llegando a la versión incluida en el disco Alchemy: Dire Straits Live de 1984, donde Mark improvisa y amplia el solo de la canción, considerada una de sus mejores interpretaciones. "Alchemy" es, probablemente, el disco que consagra sus primeros años de carrera e incluye muchas de las grandes canciones de los Dire Straits
De todos modos, para apreciar la evolución de esta canción a través de los años no se pueden obviar las últimas versiones, por ejemplo en la gira On the night de 1992, ni el concierto homenaje a Nelson Mandela por su 70 cumpleaños.
En este tributo a Nelson Mandela, del año 1988, actúan junto a Knopfler, John Illsley, Guy Fletcher y la figura de Eric Clapton como segunda guitarra. Clapton y Knopfler demuestran una asombrosa complicidad en la canción "Sultans of Swing" de ese concierto. Se da una animada charla entre ambos en la parte central de la canción, mientras el peso musical lo lleva el saxofón de Chris White. La aportación del saxofonista es quizá la mejor muestra de la evolución de la canción, así como las improvisaciones de Knopfler en cada directo.

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Hotel California ( Eagles)

"Hotel California" es el título de la canción del álbum homónimo de la banda americana de rock Eagles, de comienzos del año 1977. Es una de las canciones más famosas de la banda, y del estilo adult oriented rock. Los créditos de escritura de la canción son compartidos por Don Felder, Don Henley y Glenn Frey. La grabación original de la canción se caracteríza por tener a Henley cantando como primera voz y concluir con un extenso solo de guitarra eléctrica interpretado por Don Felder y Joe Walsh.
Ian Anderson, compositor de Jethro Tull, en repetidas circunstancias1 2 hizo referencia al posible plagio cometido por The Eagles en la canción Hotel California, de 1977, sobre su canción "We used to know", del álbum "Stand Up" de 1969, aunque nunca llegó a plantear el tema judicialmente. Durante 1970 The Eagles fue telonero de Jethro Tull, momento en el cual la banda inglesa interpretaba en vivo su tema.

"Hotel California" llego al tope en los Billboard Hot 100 por una semana en mayo de 1977. Tres meses después de su lanzamiento, el single fue certificado de Oro por la Recording Industry Association of America en representación de 1.000.000 de copias vendidas. The Eagles también ganó un Grammy al mejor disco del año en 1978.
En el 2009, la canción "Hotel California" fue certificada Platino (Premio por ventas digitales) por la RIAA por ventas de 1.000.000 en descargas digitales.
En el listado de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone se ubica en el puesto 49.3 Esta también en el Salon de la Fama del Rock and Roll con una de las 500 canciones que formaron el Rock and Roll. El solo de Guitarra de la canción se ubica en el puesto #8 de los 100 mejores solos de guitarra en una encuesta realizada por la revista Guitar World.
Es una de las canciones más populares y conocidas del grupo,"Hotel California" ha sido una canción fija en los concierto de la banda desde su lanzamiento; la interpretación de la canción aparece en el álbum en directo de 1980 y, en una versión acústica, en el de 1994 llamado Hell Freezes Over que es una reunión en concierto con CD y vídeo.
La trama de la canción según Don Henley es del mundo de las drogas y todo lo que lo rodea. Aunque hay ciertos rumores de que la canción da un mensaje a la iglesia satánica. Los miembros de la banda niegan que la canción tenga que ver con algo de la iglesia satanista.
La canción es una pista jugable en el videojuego Guitar Hero World Tour

• Hay una versión realizada por la banda alemana Scorpions, realizada en 1988.
• Hay una versión flamenca de los Gipsy Kings, que pertenece a la banda sonora de El gran Lebowski.
• Artistas como Red Hot Chili Peppers o Marc Anthony también han hecho su propia versión en ciertos conciertos.
• Hay una versión en francés de The Cat Empire.
• Majek Fashek hizo una versión en reggae, incorrectamente acreditada a Bob Marley.
• Alabama 3 en su álbum del 2000 la peste.

• Kevin Johansen, realizó una versión titulada "Hotel Patagonia", con charango.
• SkaDaddyZ una versión en ska lanzada en 1999.
• William Hung una versión grabada por los concursantes del programa American Idol en el 2004.
• Rascal Flatts una versión Country interpretada en los Grammy Awards del 2007.
• Pennywise una banda estadounidense de punk rock lanzó un cover.
• Vama Veche una banda rumana, lanzó un cover llamado "Hotel Cismigiu", cuya letra se refería a las duras condiciones de vida en las residencias universitarias durante los años noventa.

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Love Me Do (The Beatles)

"Love Me Do" es una de las primeras canciones de John Lennon y Paul McCartney, y fue acreditada a McCartney/Lennon, fue principalmente compuesta por Paul McCartney entre 1958 y 1959. Es la primera canción de The Beatles que se lanzó como sencillo y en cuyo lado B se encontraba "P.S. I Love You", fue estrenado el 5 de octubre de 1962. En el Reino Unido, alcanzó el número diecisiete de las listas de popularidad y fue relanzado en 1982, alcanzando en ésta ocasión el número cuatro. En Estados Unidos el sencillo fue número uno en 1964.

Compocicion 
La canción comienza con una armónica de blues tocada por John Lennon, y se agregan Lennon y McCartney con las voces principales simultáneamente (George Harrison interviene con armonía vocal); a pesar de que McCartney canta el solo del título cuando los instrumentos se callan, Lennon originalmente los cantaba, y al tener que utilizar la armónica cuando regresan los instrumentos en el "do" de "love me doo", se hizo el cambio entre estas voces.
 Love Me Do fue grabada en diferentes ocasiones con tres bateristas diferentes: La primera fue el 6 de junio de 1962 con Pete Best a la batería, como parte de su audición en EMI en los estudios Abbey Road en Londres. El 4 de septiembre de ese mismo año, Best fue remplazado por Ringo Starr (el productor George Martin no aprobó la ejecución de Best), volviendo a ser grabada en los mismos estudios de Abbey Road. Una semana después, el 11 de septiembre, regresaron al estudio para darse cuenta que Martín estaba poco satisfecho con la interpretación de Starr, e hicieron otra grabación con el baterista del estudio Andy White, mientras que Starr tocaba el pandero. La mayoría de los ejemplares del sencillo contenían la versión de Andy White, que también se puede escuchar en varios álbumes, entre ellosPlease Please Me y The Beatles' Hits. Sin embargo las primeras distribuciones del sencillo en el RU, presentaban la versión de Ringo Starr, que también se incluyó en el álbum compilatorio Past Masters, Volume One. Pete Best puede ser escuchado en Anthology 1.

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Creep (Radiohead)

Creep es el primer sencillo (sin contar con el Drill EP) lanzado por la banda británica de rock alternativo Radiohead, y uno de sus temas en su álbum debut de 1993, Pablo Honey. Fue compuesta por el cantante de la banda Thom Yorke y publicada por primera vez en el Reino Unido en septiembre de 1992. Inicialmente no tuvo mucha difusión puesto que la BBC Radio 1 la consideró demasiado depresiva, por lo que fue retirada de la programación tras haberla radiado tan sólo dos veces. Sin embargo, después de su re-lanzamiento en 1993, escaló al número siete en el UK Singles Chart del Reino Unido y al número dos en el Hot Modern Rock Tracks de Billboard en los Estados Unidos.
A Radiohead le disgustaba la canción pese a su enorme éxito, y cuando comenzaron a evolucionar de un estilo post-grunge
(mostrado en el Pablo Honey) a uno más experimental con el pasar de la década (como OK Computer de 1997), "Creep" dejó de formar parte del repertorio habitual de la banda. Esta no volvió a ser interpretada en conciertos hasta 2001, y desde entonces aparece esporádicamente en su repertorio; la última vez que ha sido interpretada en un concierto fue el 27 de marzo de 2009, en Santiago de Chile; además, fue interpretada con regularidad en su primera gira por Sudamérica. El tema se convirtió en uno de los mayores éxitos de la banda y la única canción del grupo, hasta la publicación en 2008 de la canción "Nude", en alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos.

De acuerdo con el cantante Thom Yorke, cuenta la historia de un hombre ebrio que intenta llamar la atención de la mujer por la que se siente atraido persiguiéndola por todas partes. Al final, pierde la confianza en sí mismo para alcanzarla.Cuando se le preguntó sobre "Creep" en 1993, Yorke dijo:

Tengo un gran problema siendo un hombre en los 90... cualquier hombre con sensibilidad o conciencia hacia el sexo opuesto tendría un problema. Imponerte en un modo masculino sin parecer que estás en una banda de rock duro es, de hecho, una cosa muy difícil de hacer... Se trata de la música que hacemos, que no es afeminada, pero tampoco brutal en su arrogancia. Es una de las cosas que siempre estoy intentando: confirmar una imagen sexual y por el otro lado negarla.

La canción es mundialmente conocida por los cuatro acordes muertos de guitarra que preceden el estribillo. Durante las primeras sesiones de ensayo de la canción, Jonny Greenwood estaba aparentemente harto de la lentitud y paz de la canción e intentó sabotearla al insertarle ese ruido. Ed O'Brien dijo "Ese es el sonido de Jonny intentando joder la canción... A él realmente no le gustó la primera vez que la tocamos, así que intentó arruinarla. Y eso hizo la canción".

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The Logical Song (Supertramp)

"The Logical Song" (la canción lógica) es un single de Supertramp en el álbum de 1979, Breakfast in America, escrita y cantada por el miembro de la banda Roger Hodgson. Esta es una de las canciones más reconocidas de la banda.
Ésta simple canción hace uso del teclado, castañuelas, y una guitarra tocada con una fuerte influencia de Los Beatles. La canción incluye una sección de...Entre los contemporáneos efectos de sonido en ésta canción están las 'entradas' de un juego de football de un juego digital de Mattel, ambos juegos populares en la época en la que la canción se dio a conocer al público.

La letra es una "historia de inocencia e idealismo perdido", en la que Hodgson condena a un sistema educativo no basado en el
conocimiento y la sensibilidad.
La canción cuenta la historia de un hombre que:
Es sacado de las crudas inmediaciones de la ñiñez "Cuando era joven, parecía que la vida era tan maravillosa, un milagro, oh era bella, mágica" (When I was young, it seemed that life was so wonderful, a miracle, oh it was beautiful, magical).
Está sometido a una estricta educación "pero entonces ellos me mandaron lejos a enseñarme cómo ser sensato, lógico, responsable, práctico" (but then they sent me away to teach me how to be sensible, logical, responsible, practical).
Ve un futuro preparado para él sin ninguna reacción espontánea "Y ellos me enseñaron un mundo donde podía ser tan dependiente, clínico, intelectual, cínico" (And they showed me a world where I could be so dependable, clinical, intellectual, cynical).
Se sientre coartado en su libertad de expresión "Ahora mira lo que dices o te llamarán radical, liberal, fanático, criminal" (Now watch what you say or they'll be calling you a radical, liberal, fanatical, criminal).
Está bajo la presión del conformismo "No firmes tu nombre, nos gustaría pensar que eres aceptable, respetable, presentable, un vegetal" (Won't you sign up your name, we'd like to feel you're acceptable, respectable, presentable, a vegetable).
Y termina confundido sin una imagen de sí mismo coherente "Por favor dime quién soy" (please tell me who I am).
"The Logical Song" fue un éxito tanto en Reino Unido como en los Estados Unidos, alcanzando el número 7 y el número 6 respectivamente en su lanzamiento. Permaneció durante 3 meses en la lista Billboard Hot 100 en el verano de 1979. La respuesta de la critica fue favorable con Allmusic llamando a la canción "un cuento intemporal y profundo sobre la condición humana" ( a timeless and touching tale about the human condition). Rolling Stone la llamó una "pequeña obra maestra" elogiando el "saxo sensual" y el "humor socarron" de Hodgson. La revista también hace comparaciones entre Hodgson y Ray Davies de The Kinks.

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Call Me (Blondie)

Call Me es una canción de la banda estadounidense de la llamada "New Wave" Blondie. Lanzado en 1980 Call Me encabezó las listas de sencillos tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido (donde se convirtió en su cuarto nº1).

La canción fue el tema principal de la película American Gigolo. Productor europeo de disco Giorgio Moroder originalmente pidió a Stevie Nicks y Fleetwood Mac para ayudar a componer y cantar una canción para la banda sonora, pero ella se negó (ya que un contrato firmado recientemente con Modern Records le impedía trabajar con Moroder). Fue en este tiempo que Moroder volvió a Debbie Harry y Blondie. Moroder presentó Harry con una pista instrumental en bruto llamado "hombre-máquina". Harry le pidió que escribiera la letra y la melodía, un proceso que los Estados Harry tomó sólo unas pocas horas. La canción fue terminada y fue registrada por la banda, con producción de Moroder. El puente de la versión original en inglés también incluye el canto Harry "Call Me" en italiano ("Amore, chiamami") y francés ("Mon Cheri, appelle-moi").

En los EE.UU. La canción fue lanzada por tres compañías discográficas diferentes: en la banda sonora por Polydor, el 7 "y 12" en el sello Chrysalis Blondie, y una en español 12 "versión en la etiqueta de disco Records Salsoul. La versión en español, llamada "Llámame", estaba destinada para el lanzamiento en México y algunos países de América del Sur. Esta versión también fue lanzada en los EE.UU. y en el Reino Unido y debutó en CD Chrysalis / EMI's compilación de rarezas Blonde and Beyond (1993). En 1988, una versión remezclada por Ben Liebrand en el álbum remix Blondie una vez más en el Bleach fue publicado como single en el Reino Unido. En 2001, la "versión larga original" apareció como un bonus track en el nuevo álbum Autoamerican cuestión.

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(I Can't Get No) Satisfaction (The Rolling Stones)

"(I Can't Get No) Satisfactoria" es un sencillo lanzado por la banda británica de rock The Rolling Stones en 1965. La canción fue compuesta por los líderes de la agrupación, el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, y grabada en los estudios RCA en Hollywood a mediados de mayo de 1965, durante su gira por Norteamérica, bajo la producción de su manager Andrew Loog Oldham. La canción se lanzó en los Estados Unidos el 6 de junio de 1965, pero también se incluyó en el álbum Out of Our Heads, que salió a la venta en julio de ese mismo año. "Satisfaction" fue un gran éxito, cuyo riff es uno de los más famosos de la historia del rock, dando a la banda su primer número uno en los Estados Unidos. La versión inglesa del Out of Our Heads no incluía "Satisfaction", ya que la canción se lanzó en formato sencillo el 20 de agosto de ese año (no era una
práctica ortodoxa en el Reino Unido incluir canciones ya lanzadas como sencillo en los álbumes). El sencillo también alcanzó el número uno, siendo el cuarto número uno de la banda en el Reino Unido. Esta composición estableció a la banda en la escena musical mundial y se convirtió en su primer éxito a nivel global.
Jagger alabó el tema porque supuso la popularización de los Stones y sugirió que su éxito se debía a su reflejo del "espíritu de los tiempos." La canción escrita casi en su totalidad por el vocalista es un retrato de un adolescente atormentado por una frustración general, en ella se refleja "el mundo de los sesentas," las esperanzas de su generación y el cinismo de la época. Su referencia a las relaciones sexuales y los tintes anticapitalistas del corte causaron gran revuelo en la sociedad de esa década, misma que fue visto como "un ataque al statu quo". Es considerada por la crítica como la mejor grabación de la banda6 y una de las mejores de la música contemporánea. La revista Rolling Stone la colocó como la número 2 en su lista de Las 500 canciones más grandes de la historia, mientras que la cadena televisiva estadounidense VH1 la puso en el número 1 en su lista de Las 100 canciones más grandes de rock & roll. En el 2006 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos la anexó en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida norteamericana. A su vez ha sido versionada por varios artistas entre los que destacan Otis Redding, Devo, Gloria Trevi, Alejandra Guzmán y Britney Spears, entre otros.

Inspiración
Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, Richards ideó el riff de guitarra de la canción. Los Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. Una noche Richards se despertó de repente, encendió la grabadora de cassette y tocó el riff que abre "Satisfaction" antes de volver a la cama. Más tarde la describiría como: "2 minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".
Más tarde, Richards lo llevó al estudio donde los Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff inmediatamente, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción "Dancing in the Street" de Martha & The Vandellas.5 En una entrevista, Jagger comentó: "Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto". Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América. Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: "Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto'".
Richards describió luego su opinión sobre "Satisfaction":
Sólo era un riff... Me desperté en medio de la noche, lo grabé en un casete y pensé que era bueno. Fui a dormir y cuando me levanté parecía tan útil como cualquier otra canción de álbum. Lo mismo pasó con Mick al mismo tiempo, ya sabes, las cosas van da-da, da-da-da...y las palabras que escribí fueron "I can't get no satisfaction". Pero igualmente podría haber sido "Auntie Millie's Caught Her Left Tit in the Mangle" ("la tía Millie se pilló la teta izquierda con el rodillo").
Se ha sugerido que el título pudo salir de una línea del sencillo de 1955, "30 Days" de Chuck Berry ("I don't get no satisfaction from the judge"), pero esto no ha sido confirmado, aunque en una entrevista hecha a Jagger en 1995, él indicó que "inconscientemente" Richards pudo haber tomado el título de esa línea. Fuentes de internet ponen la letra de Chuck como "I don't get no satisfaction."

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Crazy (Aerosmith)

Crazy es una canción del grupo de hard rock estadounidense Aerosmith, del disco Get A Grip, siendo este el tema número 12.
Crazy ocupa el puesto #300 de "Las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q Music.
La canción es una de las más conocidas de la banda.

El vídeo
En el video aparece el grupo tocando en vivo, al mismo tiempo imágenes de dos jovencitas que en apariencia se escapan del colegio y se ponen a conducir su coche por una ciudad, en la que pasan por diferentes y divertidas situaciones, tanto para jovencitas como para cualquier persona que se escape un día de
esta manera. Van desde tomar artículos de una tienda públicamente, tomarse fotos para el despachador, bailar en un club nudista en un concurso para ganar dinero y nadar desnudas con un joven desconocido que esta trabajando y ellas se lo llevan. Las dos mujeres son Liv Tyler, hija del vocalista de la banda, Steven Tyler, acompañada de Alicia Silverstone.

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Bohemian Rhapsody (Queen)

"Bohemian Rhapsody" (en español, "Rapsodia bohemia") es una canción de la banda británica de rock Queen. Fue escrita por Freddie Mercury para su álbum de 1975 A Night at the Opera. "Bohemian Rhapsody" presenta una estructura inusual, más similar a una rapsodia clásica que a la música popular. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos.
Cuando se puso a la venta como sencillo, "Bohemian Rhapsody" se volvió un éxito comercial, permaneciendo en la cima de las listas británicas durante nueve semanas. Alcanzó allí el puesto número uno otra vez en 1991, tras la muerte de Freddie Mercury. En total, tuvo 2.176.000 ventas, siendo el tercer sencillo con mayor cantidad de ventas de todos los tiempos.
En "Bohemian Rhapsody", Freddie Mercury, Roger Taylor y Brian May utilizan sus voces; cantando medio, agudo y grave, respectivamente. May toca la guitarra; Taylor, la batería, los timbales y el gong; y John Deacon, el bajo eléctrico. Según diversas interpretaciones, esta canción refleja la homosexualidad de su autor, Mercury, que se preparaba para dejar a su novia Mary Austin y conseguir una pareja masculina. Dichas lecturas fueron realizadas por las musicólogas Sheila Whiteley y Judith Peirano


Historia y grabación
Freddie Mercury escribió la mayor parte de "Bohemian Rhapsody" en su casa de Holland Road, Kensington, al norte de Londres. El productor de la canción, Roy Thomas Baker, relató cómo Mercury tocó la balada introductoria para él: "Interpretó el comienzo en el piano. Luego se detuvo y dijo '¡Y aquí es donde empieza la sección de ópera!' Luego nos fuimos a cenar". El guitarrista Brian May dijo que la banda comentó que el esbozo de Mercury para la canción era "intrigante y original y digno de trabajarse". Mucho del material de Queen se escribía en el estudio según May pero esta canción "estaba toda en la mente de Freddie" antes de que se sacara a la luz. La musicóloga Sheila Witeley sugirió que "el título se basa fuertemente en la ideología del rock contemporáneo, el individualismo del mundo de los artistas bohemios, con lo de 'rapsodia' afirmando los románticos ideales del rock como arte". Sobre lo de "bohemio", Judith Peirano dijo que "Mercury intentó [...] [que esta canción] fuera una suerte de ópera, algo fuera de las normas de las canciones de rock y sigue la lógica operística: coros de muchas voces alternados con solos similares a arias, las emociones son excesivas y la trama, confusa".
La canción se grabó en tres semanas, empezando en Rockfield Studio 1 el 24 de agosto de 1975, luego de un ensayo de tres semanas en Herefordshire. Durante el proceso, se usaron otros cuatro estudios adicionales: Roundhouse, SARM, Scorpion y Wessex. Según los miembros de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción y los dirigió él mismo. Usó un piano de cola para conciertos marca Bechstein, que aparece en el video promocional y en las giras por el Reino Unido. Fue el sencillo más caro del mundo y es una de las grabaciones más elaboradas en toda la historia de la música.
May, Mercury y Taylor cantaron continuamente de diez a doce horas por día, obteniendo 180 grabaciones separadas. Como los estudios de aquella época solo disponían de cintas analógicas de 24 pistas, fue necesario que los tres se sobregrabaran numerosas veces y reiteraran estas grabaciones en sucesivas submezclas. Al final, terminaron usando cintas de octava generación.

Lanzamiento

Cuando la banda quiso estrenar "Bohemian Rhapsody" como sencillo, varios ejecutivos le señalaron que debido a su larga duración nunca llegaría a ser un gran éxito. Según Baker, él y Queen le dieron al DJ Kenny Everett una copia de la canción, diciéndole que nunca debía emtirla en la radio. Su contestación fue, según el productor: "Nunca lo haré", mientras guiñaba un ojo. Everett sólo pasó partes de la canción y su audiencia le demandó que la pusiera en el aire muchas veces, llegando a reproducirla catorce veces en dos días.Hordas de seguidores trataron de comprar el sencillo el lunes siguiente pero "Bohemian Rhapsody" todavía no había salido a la venta. Ese mismo fin de semana, Paul Drew, quien dirigía la radio RKO en Estados Unidos, escuchó la canción en el programa de Everett en Londres. Drew consiguió una copia del sencillo y empezó a reproducirlo en su país, en asociación con la discográfica estadounidense de Queen, Elektra. En una entrevista con Sound on Sound, Baker comentó que "era curioso cómo en ambos lados del Atlántico se emitía un sencillo por la radio que las discográficas rechazaron tanto". Finalmente el sencillo fue puesto a la venta, con la canción "I'm in Love with My Car" como lado B. La canción monopolizó las listas de éxitos británicas, permaneciendo en su cima durante nueve semanas. "Bohemian Rhapsody" fue el primer sencillo en estar dos veces en el puesto número uno con la misma versión. Tras la muerte de Freddie Mercury en 1991 fue sacado otra vez a la venta con "These Are the Days of Our Lives" como lado B, permaneciendo en el primer lugar durante cinco semanas. En Estados Unidos, el sencillo fue un éxito, pero a menor escala que en el Reino Unido. El sencillo original, estrenado a principios de 1976, llegó al puesto número nueve del Billboard Hot 100, mientras que su lanzamiento en 1992 alcanzó el segundo lugar. En una entrevista, Anthony DeCurtis de la revista Rolling Stone comentó que "Bohemian Rhapsody" es "la quintaesencia de la clase de cosas que no tienen éxito en Estados Unidos"

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